Inserita nella forma di un trifoglio, la composizione sembra il disegno di una lastra di vetro. Dell'atelier di Norimberga di Albrecht Dürer si è conservata tutta una serie di tali crepe nei vetri. Qui la Morte, vestita solo di un panno succinto, cavalca un mascalzone emaciato e stancamente trascinato. La figura scheletrica fissa con impazienza il suo bersaglio, sta per scoccare una freccia mortale e ce ne sono altre a portata di mano nella faretra ben riempita. L'iscrizione latina che lo circonda dà anche voce al cupo cavaliere: "Attento, sfortunato, che non ti metto a letto, trafitto dal mio dardo, su questo orribile letto della bara", grida il cavaliere al suo omologo.

Una controparte del foglio finemente disegnato di Dürer con inchiostro scuro è stata conservata nel Museo Nazionale Germanico di Norimberga: mostra il dott. Sisto Tucher davanti alla sua tomba. Quindi le parole ammonitrici gli furono rivolte - ed è lui su cui il cavaliere, con il braccio alzato, applica il suo colpo mortale.

In tempi di epidemie di peste arrabbiata, la gente voleva essere preparata per la morte. Il preposto di Norimberga fece sempre realizzare due dipinti su vetro colorato secondo i disegni; decorarono le finestre del suo studio e lo avvertivano quotidianamente dei pericoli della peste e della sua stessa impermanenza. La grande lacrima di vetro di Albrecht Dürer è solo uno dei tanti disegni che il Kupferstichkabinett Hannover conserva insieme a innumerevoli opere grafiche.

Il tenero legno di tiglio era ideale per la progettazione differenziata delle qualità dei materiali. Un'agrafe decorata con perle adorna il copricapo, le diverse tessiture delle vesti sono abilmente mostrate e l'intagliatore di Würzburg ha riprodotto con sicurezza l'estremità mobile e svolazzante del velo. Oggi vediamo il santo guardare pensieroso il suolo sotto forma di busto, ma in origine probabilmente era una figura intera in piedi che uno dei primi collezionisti segò nella parte inferiore e trasformò in un busto. Grazie al generoso sostegno di un gruppo di donne impegnate di Würzburg e Hannover, l'opera è stata restaurata nel 2003: un bell'esempio di impegno civico che ha riportato a nuova vita la sconosciuta santa di Riemenschneider.

Il mistico fidanzamento del fanciullo Gesù con S. Qui Caterina viene ampliata per includere Giovanni Evangelista. Secondo un inventario, nel 1617 l'incantevole dipinto si trovava nell'appartamento privato di un membro della famiglia Fugger di Augusta. Probabilmente è stato creato per Katharina Thurzo, moglie di Raimund Fugger von der Lilie. Qui Hans Burgkmair riprende una tradizione rappresentativa particolarmente apprezzata nella pittura veneziana, in cui la Madre di Dio è raffigurata con il bambino inginocchiato e in una conversazione silenziosa con i santi. Sul cartiglio tra la Madre di Dio e San Giovanni il pittore riporta il suo nome, l'anno di realizzazione del dipinto e la sua provenienza da Augusta.

Il piccolo quadro circolare funziona come un barattolo: se si toglie il coperchio, nella parte inferiore diventa visibile il ritratto del riformatore e umanista Filippo Melantone. L'iscrizione sul coperchio, ricco di ricchi ornamenti rinascimentali, fornisce informazioni sull'identità del soggetto. Si rivolge direttamente allo spettatore ed elogia l'artista che ha realizzato l'opera: “Tu che vedi i lineamenti del viso di Melantone come se fossero quasi vivi. Holbein li ha creati con straordinaria abilità."

Tali dipinti su capsule erano popolari come regali tra gli intenditori d'arte e i sostenitori della Riforma. Nel loro design prezioso competono con le medaglie con ritratto contemporanee e, grazie alla loro esecuzione tramite pittura, raggiungono un grado di realismo molto più elevato. Il ritratto del professore greco e stretto compagno d'armi di Martin Lutero fu probabilmente realizzato durante il periodo inglese di Holbein e proviene dal possedimento dell'elettore di Hannover. Holbein probabilmente non incontrò mai il grande riformatore. Il suo ritratto si basa sulle raffigurazioni di Albrecht Dürer e Lucas Cranach.

Agnolo Bronzino fu il ritrattista preferito della corte medicea a Firenze negli anni Quaranta del Cinquecento. I suoi ritratti hanno un dignitoso distacco e una fredda eleganza; la loro brillante esecuzione pittorica affascina immediatamente lo spettatore. Non si può dire con certezza se il dipinto di Hannover sia il ritratto di una persona reale o un ritratto puramente ideale. A causa della forma ovale dell'immagine, il giovane appare in dettaglio, come era consuetudine nei busti dei sovrani antichi. Di fronte allo sfondo scuro, il corpo atletico risalta in modo estremamente vivido, e la luce proveniente da sinistra modella alcune zone della pelle come se fossero di marmo. Bronzino cerca abilmente il confronto con il genere scultoreo vicino e tuttavia non lascia dubbi sul fatto che si tratti di un quadro dipinto. Nonostante tutta la severità e la freddezza, qua e là balena un momento particolarmente sensuale: il panno rosa rivela il corpo anziché coprirlo, e con il capezzolo solo mezzo nascosto, entra in scena un momento decisamente erotico.

I dipinti di Gerrit Dou furono ammirati e collezionati con entusiasmo fin dalla tenera età. L'allievo di Rembrandt fu uno dei pittori di maggior successo del suo tempo, il suo duro lavoro era leggendario - così come lo erano i prezzi dei suoi quadri ricercati a livello internazionale. Uno dei suoi biografi riferisce che nello studio di Dou a Leida un panno era sempre teso sopra il cavalletto in modo che non un granello di polvere si depositasse sulla superficie delicatamente liscia del dipinto; un altro scrive che Dou teneva sempre i suoi pennelli chiusi al sicuro per lo stesso motivo. Se si guarda l'immagine di Hannover, in cui uno sconosciuto africano in costume orientale guarda lo spettatore da sopra la spalla, si potrebbe facilmente credere a questa informazione. Tali tronies, studi di teste di orientali in costumi esotici, di soldati o di anziani, erano estremamente popolari nella pittura di Leida.

Nel suo bouquet, Jacob van Es dispone rose, un iris dipinto magistralmente e quattro tulipani, i cui fiori fiammeggianti giallo-rossi brillano come gioielli in prezioso isolamento sullo sfondo semplice. Il pittore fiammingo, specializzato in nature morte, non scelse quest'ultima come motivo a caso. Oggi i tulipani sono un bene economico prodotto in serie, ma nel XVII secolo erano un oggetto di lusso ricercato. Poco dopo l'arrivo dei primi esemplari colorati da Costantinopoli a Vienna e da lì in Olanda, a metà del XVI secolo, scoppiò una vera tempesta di entusiasmo per la pianta appena scoperta. In brevissimo tempo un intero paese soccombette al colorato gioco dei fiori e alla Borsa di Amsterdam furono offerte orrende somme di denaro per le varietà più originali. Per una sola cipolla si raccoglievano fino a 17 fiorini – 16 volte il reddito annuo di un artigiano. Nel 5000 il rapporto tra domanda e offerta crollò completamente e si verificò il primo crollo del mercato azionario documentato nella storia economica.

Alla maggior parte degli spettatori è subito chiaro quale città si possa vedere qui: è Venezia, o più precisamente la chiesa di S. Maria dei Miracoli, che qui viene messa in scena in modo quasi malinconico da Bernardo Bellotto. Il pittore italiano è famoso per le sue spettacolari vedute della città lagunare. Dipinse ripetutamente le principali attrazioni di Venezia, inizialmente insieme al suo datore di lavoro Antonio Canal, ma dal 1430 anche in modo indipendente. Le immagini sono state preparate con la camera oscura e poi disposte in suggestive composizioni d'insieme attraverso un processo complesso che prevede diverse fasi grafiche intermedie.

Giovanni Paolo Pannini indirizza la nostra attenzione sulla chiesa più importante della cristianità, la Basilica di San Pietro a Roma. L'enorme dimensione dell'edificio risulta subito evidente. A poco a poco diventa chiaro con quanta abilità Pannini mette in scena la sua prospettiva. Una fila di pilastri della navata conduce verticalmente in profondità, l'altra è inclinata. Solo gradualmente lo sguardo comincia a spaziare nelle navate laterali e compaiono nuovi colori e aspetti degli arredi. In particolare le figure del personale vengono messe in risalto dalla luce che cade con una forte angolazione: a destra ci sono alcuni visitatori vestiti più semplicemente, altrimenti persone di rango superiore popolano l'interno della chiesa; Tra la folla si mescolavano anche alcuni monaci e perfino un cardinale.

Giovanni Paolo Pannini ha studiato più volte in immagini San Pietro a Roma. I suoi dipinti erano estremamente apprezzati dai turisti barocchi, soprattutto dagli aristocratici in occasione del “grand tour”. E i suoi contemporanei lodarono Pannini non solo per le sue abilità prospettiche, ma anche come un colorista eccezionale, le cui pennellate sono seducenti e il cui lavoro non mostra alcuno sforzo. Se si confronta la sua visione dell'interno di San Pietro con le fotografie scattate dai turisti oggi, diventa chiaro quanto intensamente Pannini fosse interessato alla chiesa. Il pittore riesce nell'impresa di mettere in risalto questo enorme edificio utilizzando la prospettiva, la luce e il colore.

Josef Ernst von Bandel era un architetto, scultore e pittore tedesco, oggi noto soprattutto per il suo colossale monumento a Hermann: la statua alta 26 metri fu eretta vicino a Detmold nel 1875 perché si credeva fosse il luogo storico della battaglia di Varo. Tuttavia, nel corso della sua vita, l'artista stesso descrisse un'altra opera come la sua "opera principale e magnifica": La Venere Decoratrice! La dea dell'amore siede a grandezza naturale con la gamba destra piegata sotto di lei su uno sgabello decorato a tre gambe, sul quale sono cadute anche le sue vesti. Ai piedi della figura nuda c'è un portagioielli riccamente ornato da cui praticamente fuoriescono collane di perle e una fascia per capelli. Subito dopo il bagno, la bellezza sta ancora intrecciando i suoi capelli fluenti, legandoli e sistemandoli in trecce intorno alla testa. Non solo l'acconciatura e il profilo classico della dea, ma anche il design di tutto il suo corpo è ispirato all'arte dell'antichità. In particolare la “Venere Capitolina” servì da modello per l'artista, anche se ha una postura completamente diversa. Quando Ernst von Bandel realizzò i primi modelli della figura di Venere nel 1831/32 e nel 1834, la famosa scultura romana, una copia non conservata della cosiddetta Venere Cnidia di Prassitele, fu reinstallata nei Musei Capitolini di Roma . Bandel iniziò a eseguire la sua Venere a Carrara nel 1838 in occasione del suo secondo soggiorno in Italia. Dopo una lunga interruzione, venne qui completata tra il 1843 e il 1844; Nel 1846 la scultura in marmo con la sua superficie liscia e precedentemente estremamente lucida fu esposta alla 14a mostra d'arte di Hannover.

La pittura, i paesaggi e le persone olandesi hanno avuto una grande influenza sull'arte di Max Liebermann. Dal 1874 l'artista, che oggi è uno dei più importanti impressionisti tedeschi insieme a Max Slevogt e Lovis Corinth, trascorre regolarmente i mesi estivi sulla costa olandese del Mare del Nord. Lì studiò la vita rurale della gente comune e si dedicò alla pittura all'aria aperta. Dipinse ripetutamente anche cavalieri sulla spiaggia: questa costante ripetizione di un tema mostra che per Liebermann il motivo era in realtà secondario nella sua fase impressionistica, e che invece era interessato principalmente al cambiamento delle condizioni atmosferiche e di luce. La versione mostrata è una sorta di fotografia dipinta, paragonabile alle "istantanee" di oggi: retroilluminata dal sole, mostra la silhouette a pieno formato di un cavaliere nell'ultimo outfit sportivo - è la moda equestre con pantaloni e berretto con visiera che è ancora stabilito oggi. Liebermann si recò in Olanda per l'ultima volta nel 1913 e dopo lo scoppio della prima guerra mondiale non vi fece più ritorno.

Oggi ricordiamo Max Slevogt come uno dei più importanti impressionisti tedeschi, conosciuto soprattutto per i suoi dipinti di paesaggi palatinati. Ma questa visione è troppo unilaterale, perché per tutta la sua vita Slevogt non solo ha prodotto secondo la natura, ma anche secondo la sua immaginazione. Ciò è dimostrato, ad esempio, nel portfolio “Faces”, che comprende 21 stampe su pietra e zinco e in cui l’artista, tra le altre cose, elabora le sue esperienze come corrispondente di guerra sul fronte occidentale nel 1914. Uno dei fogli è la “macchina suicida”: quello che sembra un parchimetro offre in realtà un modo per porre fine alla propria vita in modo rapido ed efficiente. Quando viene inserita una moneta, un colpo viene sparato dalla pistola e colpisce direttamente al cuore l'utente suicida. L'offerta sembra popolare; questa mattina due uomini ben vestiti sono venuti anonimamente nella curata Berliner Allee per approfittarne. Con questa grafica, Slevogt crea una caricatura della vita nelle grandi città durante la “Belle Epoque”. Questi anni che precedono lo scoppio della Prima Guerra Mondiale non sono solo un periodo “bello” per l’artista, ma anche un tempo ingannevole in cui le persone si mettono in mostra fuori e si corrompono dentro. La malinconia e la depressione erano diffuse e per molti il ​​suicidio era l’unica via d’uscita.

I nudi sono un motivo tipico dei dipinti di Corinto. L'artista ha più volte mostrato corpi nudi in diversi contesti e sfaccettature. Il dipinto “Susanna e i due vecchi”, realizzato nel 1923, sceglie un soggetto religioso come ambientazione per la nudità e unisce così due punti focali dell'opera di Corinth. Il modello per la raffigurazione è una storia degli Apocrifi: Susanna viene osservata mentre fa il bagno da due anziani giudici e costretta ad avere un rapporto sessuale. Corinto implementa il motivo più volte. In una prima versione l'attenzione si concentra sulla riproduzione del sensuale nudo femminile, ma in questa versione finale del tema l'atmosfera dell'immagine è diventata minacciosa. Susanna si presenta come una figura nuda con le spalle allo spettatore, sovrastata dagli unici anziani vagamente raffigurati. Cerca di proteggersi dagli sguardi lussuriosi, ma sembra non avere via di scampo. Le figure che stanno vicine e riempiono l’immagine suggeriscono un confinamento opprimente. I contorni sembrano quasi dissolti dalle pennellate espressive. E grazie ai toni rosa irreali in cui è dipinta l'intera immagine, sembra che il tono della carne del nudo si irradi attraverso l'intera immagine. Questa oscurità dello spazio e il valore intrinseco del colore sono caratteristiche tipiche dell'opera tarda di Corinth: l'attenzione non è più sulla sensualità del corpo nudo, ma sulla pittura stessa.